Creatividad

¿De dónde parte la creatividad?

En clase llegamos a la conclusión de que el pensamiento crítico y la independencia mental ayudan a la imaginación y a la creatividad.

Para llevar esto a cabo hay que quitar anclajes, ser ingenuo, no saber qué cosas no se pueden hacer para así pensar que todo puede ser hecho.

Antes se pensaba que la creatividad sólo la tenían los genios y que no se podía aprender, pero hoy por hoy sabemos que todo el mundo nace con creatividad y que en cierto modo sí se puede aprender.

Para desarrollar nuestra creatividad debemos saber que nuestro entorno influye, nuestro estado de animo y las personas que nos rodean también.

La creatividad nace de la curiosidad, de hacerse preguntas y buscar las respuestas, pues al plantearte cosas pones en marcha la parte relacional de tu cerebro, creando miles de conexiones nuevas y revisando las antiguas.

Se sabe que las personas creativas amplían los sistemas asociativos y llevan mejor las ciertas enfermedades, como el alzheimer. 

La creatividad va muy unida a las emociones, que es otro punto de partida de la creatividad.

Las emociones principales son:

• Alegría.
• Tristeza.
• Ira.
• Miedo.
• Asco.
• Sorpresa.

Podría decirse que la creatividad es una ciencia relativamente nueva, por lo que no se ha investigado mucho sobre ella, pero sí se han llegado a ciertas conclusiones:

Sólo resolvemos algo creativamente cuando se nos indica, entonces, ¿somos creativos a tiempo parcial? Pero no se puede ser creativo a tiempo parcial.

Encontramos casos en los que ante una situación muy estresante hay gente que se paraliza y gente que es capaz de dar resultados (este último es el más creativo, pues es capaz de crear soluciones).

A pesar de la inmensa capacidad creativa con la que  nacemos y todas las maneras de desarrollarla vivimos en una sociedad muy poco creativa. Tenemos de una estandarización de la cultura, damos las mismas respuestas a las mismas preguntas.

Deberíamos preguntarnos más el por qué de las cosas, pues eso ya es creativo.

Ser y Tener

Título original: Être et avoir. 

Fecha de estreno: 28 de agosto de 2002 (Francia).

Director: Nicolas Philibert

1. 
   

Esta película francesa nos muestra un tipo de educación reglada que no había visto antes: La enseñanza rural.

¿Qué es la enseñanza rural? Te estarás preguntando, pues es un tipo de educación que se lleva a cabo en escuelas de zonas rurales, pequeños pueblos etc..

Este tipo de educación es muchísimo más cercana a la que estamos acostumbrados, el profesor tiene menos alumnos a su cargo y por lo tanto puede llegar a conocer a cada uno mucho mejor.

Otra cualidad de estas escuelas es que se agrupan en el mismo aula clases de distintos grados, los más mayores y los más pequeños conviven en el mismo espacio. Esto ayuda a que los pequeños aspiren a ser como los mayores y aprendan por adelantado ciertas cosas, y a los mayores les ayuda a ser responsables y dar ejemplo a los más pequeños.

A pesar de que puede parecer una educación idílica a continuación he reunido algunos pros y contras que vimos en clase analizando este tipo de enseñanza.

Creo que es un método eficaz de educación puesto que no sólo se enseña la materia teórica si no valores esenciales para la convivencia, como el respeto o la ayuda de unos a otros.

Aunque es cierto que las escuelas "normales" podrían aprender dinámicas y métodos de enseñanza de estas escuelas sería imposible que se medio pareciesen.

"La clase" Película.

Título original: Entre les murs.
Año: 2008.
Duración: 128 min.
País: Francia.
Director: Laurent Cantet.

En esta película se nos presentó la problemática de una clase de los suburbios de Francia donde coinciden tanto alumnos autóctonos como extranjeros, creando una diferencia de clases y razas importante.

Durante la película pudimos observar problemas como la catalogación de los alumnos (lo cual es muy común en la educación actual) en buenos o malos, las diferencias entre el alumno y el profesor etc.

Toda la película parece una guerra abierta entre alumnos y profesores, los cuales no pueden dejar de lado sus diferencias y esto acaba notándose muchísimo en los resultados académicos.

Había diferentes tipos de profesores: Los que tiran la toalla la primera semana, los que educan a base de miedo y los que creen que los alumnos necesitan ser alentados y motivados a estudiar.

El profesor protagonista de esta película era de este último tipo, pero a causa de la presión de sus compañeros, de la dirección, las normas y de los propios alumnos al final acaba saliéndose de sus casillas y actuando de manera inapropiada, lo que desencadenó más problemas aún entre él y la clase.

En esta película podemos ver un fiel reflejo de la educación española actual. Alumnos que van a clase sin ganas, profesores que no motivan, adoctrinamiento a base de castigos en vez de premios, etc.

Todos estos factores desencadenan una situación escolar extremadamente precaria donde cada vez menos niños acaban su educación y los que consiguen acabarla no están tan bien formados como deberían.

A pesar de todo esto siempre hay salidas, siempre hay algún profesor diferente a la media que sabe cómo llevar una clase problemática y cómo sacarle partido a cada uno de sus alumnos, convirtiendo una clase problemática en una clase excepcional.

COLOR

Aquí tenemos otra clase extra, ya vimos anteriormente la de la composición y esta vez hablaremos sobre el color.

¿Qué es el color? El color es una de las informaciones básicas de la imagen visual.

Existen dos modos de color:

• Color luz: Síntesis aditiva (la unión de todos los colores genera el blanco).
• Color de pigmento: Síntesis sustractiva (la unión de todos los colores genera el negro).

La interacción del color en un cuadro es lo que realmente le va a dar sentido, puesto que un color es un color dependiendo de los que tenga al lado.

Por ejemplo, en la siguiente imagen, ¿qué cuadrado es más claro, el de arriba o el de abajo?

Bien, siento deciros que ambos círculos son del mismo color, pero dependiendo del color del fondo en el que se encuentre parece (que no es) más claro o más oscuro.

Otro detalle altamente interesante sobre el color y nosotros es: No tenemos memoria de color.

¿No os ha pasado nunca que debéis comprar un botón para una camisa y cuándo creéis que es el correcto, llegáis a casa y es de otro tono? Pues es por eso, porque no tenemos memoria de color.

A continuación enumeraré una serie de criterios a tener en cuenta en la utilización del color:

• Contraste visual.
• Similitud (simbolismo)
• Representación con la marca.
• Conexión con el target.
• Estado anímico del artista.

Y para finalizar os dejo los colores de la paleta básica:

• Blanco.
• Amarillo.
• Cadmio: naranjas.
• Limón: verdes.
• Rojo.
• Carmín: morados.
• Cadmio: naranjas.
• Azul.
• Ultramar: morados.
• Cerúleo.
• Verde esmeralda.
• Ocre.
• Tierra de Sevilla/Tierra sombra natural.
• Negro.

(Verde esmeralda + Rojo carmín = buen negro)

(El negro NUNCA se usa para dar oscuros, es para hacer verdes con el amarillo).

Libros para una buena evaluación

Esta entrada va a consistir básicamente en la enumeración de una serie de libros presentados en clase que nos ayudarán a llevar a cabo una buena evaluación:

• "Evaluar en la Universidad - Problemas y nuevos enfoques". Sally Brown y Angela Glasner(edit). Editorial narcea.

• "Nacimiento de una pedagogía popular - Historia de una escuela moderna". Èlise Frenet. Editorial Laia.

• "El cultivo de la humanidad" Martha.C.

• "La mente bien ordenada". Edgar Morris.

• "La modernidad líquida". Sigmun Bauman.

• "Pulgarcita". Michel Cherres.

• PSJM "La isla de hidrógeno".

• "Teachers and teaching". A. Morrison.

• "El maestro ognorante". Rancière.

Composición

Esta fue una clase "extra" que se salía del programa de la asignatura pero que entre todos decidimos que era crucial, por lo que la dimos.

¿Qué es la composición? Te preguntarás. 

Pues la composición es la disposición de los distintos elementos que forman una obra.

Y ahora daremos los puntos claves para analizar y realizar bien una composición:

• Dirección:
• Ascendente: Empieza a la izquierda y asciende hacia la derecha.
• Descendente: Desciende hacia la derecha.

Hay que tener cuidado con la dirección puesto que se trata de una lectura occidental. Si viviésemos en oriente no entenderíamos que hacia la derecha y arriba se asciende, por lo que dependiendo de la sociedad en la que estemos la dirección de una composición será una u otra.

• Simetría:
• Verticales: Ascenso hacia dios.
• Horizontales: Reposo (muerte). 

Este tipo de composiciones transmiten tranquilidad.

• Asimetría: Transmiten intranquilidad, son composiciones más dinámicas que crean tensión.

• Composiciones triangulares:
• Hacia arriba: Espiritualidad.
• Hacia abajo: Lo terrenal.

• Composiciones por repetición o acumulación (siempre quedan bien).

• Composiciones con dominante curva o espiral:
• Centrípetas: Hacia dentro.
• Centrífugas: Hacia fuera.

• Composiciones dependiendo del espacio que ocupan:

• Según la posición del ojo:
• Picado: Desde arriba.
• Contrapicado: Desde abajo (dotar de importancia al objeto o sujeto).
• A la altura del ojo: Línea del horizonte.

También hay que tener en cuenta si todo ocurre dentro de la imagen o hay un fuera de imagen (fuera de campo), lo que suele dotar de misterio a la imagen.

Y hasta aquí la clase sobre composición, ¡espero que os haya sido útil!

La evaluación en Bellas Artes

Quiero empezar esta entrada diciendo que la evaluación es un tema espinoso que a nadie le agrada, pero que es necesaria.

Podría decirse que un examen tipo test es muy fácil de calificar, un examen en el que haya que redactar lo hace más complicado de corregir, pero ¿y un cuadro? ¿un dibujo? ¿una escultura? ¿Cómo se evalúa algo tan subjetivo que depende tanto del gusto del que corrige?

Bien, pues a continuación analizaremos un poco más en profundidad y daremos unas sencillas pautas.

Primero debemos diferenciar entre calificar y evaluar:

• Calificar: Poner notas (tender a ser objetivo). Se suelen mantener los mismos criterios para calificar todos los años, pero esto depende muchísimo del tipo de alumnos que se tenga, por lo que un aprobado un año puede ser un sobresaliente otro.
• Evaluar: Impartir justicia. La evaluación no sólo depende de las calificaciones de un examen, sino de la asistencia, la participación, etc.

Los exámenes, tal y como están planteados hoy en día, no garantizan que el alumno haya aprendido realmente lo que está escribiendo sobre el papel. La mayoría de estos (entre los que me incluyo) olvidan los conocimientos adquiridos al acabar el examen puesto que es imposible asimilar tanta información de una manera tan sistemática y que ésta perdure para siempre.

Esto descarta los exámenes de desarrollar cuestiones teóricas, pero los tipo test son incluso peores. Los exámenes tipo test no son nada certeros porque no pueden calificar cómo se expresa el alumno o si tiene o no faltas de ortografía.

Un buen alumno debería saber (como mínimo) a hablar, a escribir y a comunicarse, y ninguna de estas pruebas puede probar que realmente el alumno sabe hacer estas cosas.

Un examen debería ser una clase especial donde se ayude al alumno a cristalizar los conocimientos que ha adquirido durante el curso, un examen que demuestre de verdad lo que sabe sobre la materia.

Y sea mediante un trabajo donde aplique los conocimientos adquiridos, un pequeño proyecto o realizando una exposición en clase.

Una buena opción para evaluar bien el progreso del alumno es mediante 3 evaluaciones diferentes: Una antes de empezar la asignatura (para saber los conocimientos previos que se tienen de ésta), otra a mediados del curso (para ver el progreso) y otra al final.

Incluso si hace falta, hacer un examen por cada tema, para que los alumnos vayan asimilando poco a poco toda la información y no tengan que aprenderla atropelladamente a final de curso.

Ahora llega el tema realmente espinoso, ¿cómo se evalúa a los alumnos de Bellas Artes?

Normalmente los alumnos no saben por qué se les pone una u otra nota en su trabajo (y suelen tomarse las notas bajas como algo personal pues, realmente, están suspendiendo una obra de arte que han creado con todas sus ganas). A esto se le añade que los profesores no suelen dar explicación de las calificaciones que ponen o simplemente afirman que las obras no son de su gusto por lo que no deben ser aprobadas. Qué injusto, ¿no?

Por ello ahora os voy a dar una serie de puntos objetivos que deben evaluarse a la hora de contemplar una obra pictórica:

• Técnica:
• Aparejo.
• Composición.
• Linea.
• Pincelada.
• Materia de carga.
• Medium.
• Color.
• Luces y sombras.
• Interpretación personal:
• Capacidad para la creación.
• Punto de vista original.
• Misterio.
• Atrevimiento.
• Que cuente algo.
• Que haga pensar.
• Referentes.

Y hasta aquí la entrada sobre evaluación, ¡espero que os haya sido útil!

Cómo hacer una unidad didáctica y mi unidad didáctica

En esta clase dimos cómo realizar una unidad didáctica para al final de ella realizar una nosotros.
A continuación enunciaré qué debe llevar y cómo debe ser una unidad didáctica completa:

• Título.
• Descripción de lo que va a ir.
• Describir a quién y dónde se va a dar.
• Introducción de qué trata.
• Qué.
• Cuándo.
• Cómo
• Dónde
• Por qué.
• Enunciado de los objetivos (en infinitivo)
• Para el alumno.
• Para el profesor. (De más importante a menos importante).
• Enunciados de las competencias: Tienen que ser aplicables.
• Metodología: Métodos que voy a emplear para enseñar lo que quiero.
• Contenidos que voy a dar.
• Temporalización.
• Evaluación.
• Bibliografía (tanto libros como por internet).
• Para el alumno.
• Para el profesor.

Aprender a dibujar e introducción al mundo del dibujo.

• En esta clase los alumnos aprenderán a dibujar, tengan o no una base previa.
• Será impartida a alumnos de 1º de la carrerra de BBAA del CES Felipe II en un aula con mesas de dibujo y proyector.
• Esta unidad tratará de enseñar a los alumnos a adquirir los conocimientos y las aptitudes básicas necesarias para introducirse en el mundo del dibujo.
• Objetivos:
• Profesor:
• Enseñar a dibujar.
• Enseñar los distintos modos de emplear el dibujo.
• Enseñar dibujantes clásicos.
• Enseñar dibujantes contemporáneos.
• Enseñar a sombrear de distintos modos.
• Alumno:
• Aprender a dibujar.
• Aprender a copiar del natural.
• Aprender algo de historia del dibujo.
• Aprender a sombrear de distintos modos.
• Competencias:
• Plasmar un objeto del natural en una superficie plana.
• Expresión propia.
• Metodología:
• Breve teoría introductoria sobre la historia del dibujo, donde se repasarán artistas tanto clásicos como contemporáneos.
• Pase de diapositivas donde los alumnos podrán ver tanto dibujos del natural, clásicos, abstractos y dibujos del mundo del cómic y la ilustración.
• Pequeño proyecto donde los alumnos elegirán qué corriente o estilo de dibujo les atrae más e intenten realizar uno que encaje con lo seleccionado.
• Crítica en grupo y elección de los mejores para decorar la clase.
• El contenido será tanto teórico como práctico. En el teórico repasaremos la historia del dibujo y artistas hasta hoy en día. En la práctica los alumnos se expresarán libremente tutorizados por el profesor.
• La parte teórica durará 1 hora y la práctica 1`30 minutos. La última media hora se utilizará para la sesión crítica.
• La evaluación será lelvada a cabo tanto por el profesor como por los propios alumnos. Se tendrá en cuando la creatividad y el nivel de dibujo, aunque al estar pensada para una primera sesión esto último podrá ser menos relevante. El comportamiento también será evaluado.
• La bibliografía constará tanto de libros clásicos, como novelas ilustradas, como cómics y páginas web.

La educación

Conceptos generales:

• Educar.
• Enseñar.
• Pedagogía.
• Arte.
• Artes visuales.

Mapa de enseñanza:

• Alumnos.
• Familias.
• Profesores.
• Centros de enseñanza.

Tipos de enseñanza:

• Reglada.
• No reglada (no diploma).
• Educación indirecta (por tu cuenta).

Niveles educativos:

• Guardería.
• Primaria.
• Secundaria.
• Bachillerato -> Selectividad.
• Módulos.
• Universidad.
• Rector.
• Vicerrectores.
• Consejo social.
• Claustro universitario.
• Facultades.
• Decanos.
• Vicedecanos.
• Directores de departamentos.
• Claustro (todos los anteriores)
• Puestos periféricos (defensores, etc).

El buen profesor

Después de ver la película de "Rebelión en las aulas" tuvimos una teórica sobre lo que debería ser un buen profesor y llegamos a las siguientes conclusiones.

Un buen profesor es:

• Inasequible al desaliento.
• Tiene una buena formación académica y personal.
• Tiene ilusión por educar.
• Es intuitivo y conoce a sus alumnos.
• Emplea estrategias adecuadas en el aula.
• Está al día tanto en su materia como en la realidad que rodea a sus estudiantes.
• Sabe encontrar lo mejor de cada alumno.
• Logra que todos participen en la clase, permitiendo la autonomía de la clase.
• Deja que lo alumnos expresen sus opiniones.
• Motiva al alumno.
• Estimula la creatividad (investigación).
• Hace sentir a los alumnos que están viviendo algo único.
• Ayuda a los alumnos a conseguir sus propios fines.
• Incrementa la satisfacción docente y discente.
• Aprende con sus alumnos.
• Es un buen comunicador.

Una buena forma de llevar todo esto a cabo es mediante la metodología del proyecto:

Primero se elige un redactor y después se llevan a cabo 7 fases:

1. Idear.
2. Elegir.
3. Programar.
4. Realizar.
5. Evaluar,
6. Celebrar.
7. Exponer.

La educación artística

En esta entrada iré poniendo por puntos los problemas que tratamos en clase de cara a la educación artística:

• Se trata de trabajos manuales.
• El nivel de exigencia es muy bajo.
• Se cree que es un trabajo vocacional.
• Está impartida por profesores no especializados.
• Los alumnos:
• No entienden para qué sirve.
• Opinan que debería ser optativa.
• Intentan aprobar con el mínimo esfuerzo.

Hay que hacerles entender por qué es importante, puesto que nos comunicamos por elementos visuales.

Deben entender lo que ven y saber expresarse mediante la imagen.

Se trata de una asignatura tan importante como cualquier otra.

Los objetivos de la educación artística son:

• Aprender a ver.
• Aprender a hacer.
• Aprender a leer imágenes.
• Aprender a actuar.
• Aprender a aprender.

Mecanismos de motivación en el aula

En esta clase investigamos sobre la motivación en el aula y los principales problemas de la educación actual.

Todo empieza por la familia; el núcleo familiar es el origen de todas las actitudes iniciales del comportamiento.
Hoy en día encontramos nuevas familias (interraciales, homosexuales...) y esto abre un nuevo abanico de posibilidades en la educación de los niños.
Encontramos el "problema" de la integración de la mujer en el mundo laboral, que no es un problema ni mucho menos, pero al trabajar ahora los dos padres (y probablemente los dos abuelos) los niños empiezan a ir antes a guarderías, pasando ya desde edades muy tempranas demasiadas horas en el colegio.

Un verdadero problema que encontramos en la educación actual es la poca estima que se le tiene a la Educación Plástica y Visual. Se trata de una asignatura "sin valor", se la tacha de ser una "maría". Pero, ¿por qué?
Porque no hay suficiente preparación por parte de los profesores.

Para comprender el por qué muchos jóvenes dejan de estudiar debemos echarle un vistazo a la pirámide de Maslow:

Los jóvenes necesitan motivación pero, ¿qué es motivar?´
Según Susana Abolio motivar es la precondición del aprendizaje, la fuerza que impulsa al alumno a aprender.

El profesor debe adaptarse a los ritmos de los alumnos y enseñarles a gestionar su tiempo, pero también debe generar estímulos que motiven a sus alumnos. Confiar y esperar de ellos lo mejor.


Existen 2 tipos de motivación.

1. Intrínseca: Conducta autodeterminada, necesidad de autorrealización. Motivación para superarte.
2. Extrínseca: Se origina fuera del alumno, como por ejemplo los premiso, que dan pocos resultados y malos.

Estas dos motivaciones se encuentras estrechamente ligadas.

El cuerpo en el arte

En esta clase teórica hablamos sobre la representación del cuerpo en el mundo del arte.

Podemos representar el cuerpo de forma individual o colectiva. Cuando se trata de una representación individual lo que se pretende es reflejar la parte psicológica del cuerpo, por el contrario, cuando se representa como colectivo trata de realizar un retrato social.

Repasamos la evolución de cómo se ha mostrado el cuerpo en el arte desde la prehistoria hasta la época contemporánea.

En la prehistoria el cuerpo femenino representaba la fertilidad (venus de Willendorf), en el renacimiento había tres grandes estéticas:

• Cennini (1370/1440)
• Alberti (1404/1472)
• Leonardo (1452/1519)

En el barroco por el contrario lo que se pretendía era retratar las emociones humanas.

• Turner (1775/1851)

Debido a la aparición de la fotografía el impresionismo se especializó en el retrato psicológico.

Ahora en cambio "se lleva" la estética de lo grotesco, ya no valen las reglas de la belleza clásica, ahora rige lo monstruoso.

• Damien Hirst
• Byron Kim (1961) "Pieles"
• Santiago Sierra.
• Lillian Bassman.

Caligrafía china

Esta fue una clase particular que tuve pues fui la única en asistir y aunque fue breve me gustaría dejar aquí constancia de ella pues fue realmente buena.

Los primeros textos chinos se encontraron en los caparazones de las tortugas (estilo Ying) y más adelante en vasijas (estilo Zhou).

Durante la dinastía Quin existía el estilo Zhuan Menor (que sigue vigente en los sellos de laca).
El estilo Li se llevó acabo en la época Han y fue el comienzo de la escritura moderna.
El estilo Kai, que se perpetuó durante la dinastía Tang es el modelo de escritura actual.

Evolución de los kanjis de sol (arriba) y luna (abajo)

¿Qué es un artista y quién legitima que un artista lo es?

En esta clase se nos planteó la pregunta de ¿qué es un artista y quién legitima que un artista lo es?

Lo primero que pensamos fue "busquémoslo en internet" y según la wikipedia esto es un artista:
"El artista es la persona que hace o produce obras de arte"

Muy elocuente, ¿verdad?
En el termino artista encontramos connotaciones que han ido evolucionando a lo largo de los años.
Se entendía como artista a un hombre (que no mujer), blanco (que no de raza negra o asiático) y adinerado (que no pobre).

¿Qué es una obra de arte? Nos preguntamos. Algunos dirán que una obra de arte es algo bello, así que importa más la forma que el contenido, pero los abstractos dirán entonces que arte es aquello con un fuerte concepto aunque sea feo.
Entonces, ¿en qué quedamos?
Los stukistas dirán que la forma importa pero con cierto contenido (fuerte y sincero), eso será una obra de arte.

Remontándonos a la prehistoria se creía que el arte era magia, de hecho las pinturas en las paredes eran el residuo de cánticos y conjuros para mejorar la caza o el clima.

Volvemos a lo que nos planteábamos al principio de la clase, ¿quién dice quién es un artista?
Aquí sacamos varias conclusiones:

• Los mismos artistas.
• Los coleccionistas (aunque esto no estaba del todo seguro).
• Los historiadores.
• Los críticos.
• Los comisarios.
• Los museos.
• Los profesores de BBAA.
• Las galerías.
• Los aduaneros (Sí, los aduaneros pueden no dejarte pasar un dibujo o cuadro tuyo por aduanas si piensan que es una obra artística y, por ende, no puede salir del país).

Aunque realmente deberíamos ser los propios artistas los que deberíamos legitimizar a los nuevos artistas.

Entonces, y ya para finalizar, ¿qué es el arte?

No tenemos la respuesta universal a qué es el arte, pero pudimos deducir ciertos conceptos en los que estuvimos de acuerdo:

• El arte es una forma emocional de contar cosas.
• El arte es la expresión y comunicación visual de sentimientos y hechos.
• El arte es la primera expresión visual del ser humano,
• El arte trata de comprender el mundo.

El arte y la sociedad

Al comienzo de la clase se nos realizaron una serie de cuestiones:

1. ¿Quién es un artista?
2. ¿Quién dice quién es un artista?
3. ¿Qué papel tiene el artista?
4. ¿Qué funciones tiene un artista?

Todas estas preguntas dependen del contexto social en el que nos encontremos, no es lo mismo un artista griego que un artista contemporáneo.

¿Qué somos ahora? Podríamos preguntarnos.

Ahora lo que vale es lo trivial y no existe un código único para vivir. Vivimos en la incertidumbre, en una sociedad definida por el cambio y el arte es el hilo conductor de este cambio de valores.

Es a finales del siglo XIX cuando se empezó a ver el mundo distorsionado. Comenzó una época de rapidez, de eficiencia, de producción en serie, lo que desembocó en la cultura de masas y un arte más profundo.

En 1907 encontramos a las "Señoritas de Avignon", se trata de un cuadro de formas impredecibles para una era impredecible.

 En 1093 Hitler realizó una de sus exposiciones más importantes, donde fijó unos valores acordes con su ideología:

• La distorsión es una impureza que infecta a la población.
• Quiere que exista la certeza en un mundo donde ya no existe.
• Aboga por la vuelta al renacimiento y a las esculturas griegas.

A partir de aquí nos encontramos con el arte abstracto, donde todo es relativo. Este arte ve más allá de las apariencias y las ilusiones.

El artista abstracto te enseña el resultado y te pregunta "¿qué te dice?".

En resumen, el arte es el que plasma los cambios del mundo.

Algo que mucha gente desconoce es que los historiadores e intelectuales del mundo del arte influyen en el mundo de la política.

Los artistas son parte del proyecto estatal.

Al principio la política intentaba mantener contentos a los intelectuales artistas hasta que decidieron incorporarles, aunque los artistas no habrían sobrevivido sin el mecenazgo de los políticos y de los medios.

Esta relación se mantiene en pie puesto que los políticos quieren tener contento al pueblo y los artistas son las expresión del pueblo. 

Resumiendo esta clase en dos conceptos básicos, la función del arte ha sido plasmar el cambio del mundo y las opiniones del pueblo, siendo así la fuente más fidedigna de la historia que podemos conservar. 

Bienvenida y primera clase "Comunicación Oral"

Antes que nada: BIENVENIDO A MI BLOG!

Este blog va a ser un espacio didáctico donde voy a ir colgando semanalmente las clases de la asignatura "Artista, creatividad y educación", impartidas por Maria Jesús Abad en la Universidad Complutense de Madrid (Centro adscrito Ces Felipe II).

A parte de los post más didácticos iré subiendo trabajos que realice en casa, proyectos que lleve a cabo o incluso concursos en los que participo y así podéis ir viendo más sobre mi.

Y eso es todo, de aquí en adelante espero que nos veamos mucho por aquí y que os sirva de algo! :3

Hablar en público, qué fácil parece decirlo y qué complicado es en realidad.

Hoy en día no estamos acostumbrados a hablar frente a grandes multitudes de gente, como mucho al presentar trabajos o proyectos, pero siempre delante de un número reducido de personas.

Pero, ¿qué pasaría si un día tenemos que presentar una tesis o dar una charla a un gran público? Efectivamente, aquí llegarían los problemas, los temblores, el tiempo, el "¡qué hago con mi cuerpo!", y para eso os traigo esta entrada basada en la primera teórica sombre Comunicación Oral.

Y sin más dilación, ¡allá vamos!

Empezaremos con unas pequeñas pautas importantes:

• Decir quién eres, presentarte formalmente ante el público.
• Dar las gracias a quién te ha invitado (si se trata de un colectivo o de varias personas, agradecer según el rango de la persona)
• Despedirse.

Con estas tres sencillas pautas (que llamaremos las 3Ds) podremos, al menos, crear un discurso con un inicio claro y un final.

Continuaremos con la comunicación NO verbal. ¿Y esto qué es? Pues se trata nada más y nada menos del 75% que se va a encargar de que tu discurso tenga éxito. Me estoy refiriendo a todo lo que comunicas con tu cuerpo.

¿Sabíais que la audiencia se da cuenta de cómo eres en el primer medio minuto? Imagina que das un discurso de media hora, vas a pasar los siguientes 29 minutos y 30 segundos siendo la persona que ellos pensaron que eras en ese medio primer minuto. Lo que quiero decir es que es esencial que no la liemos en este punto, pues es de los importantes.

A continuación os dejo unos puntos claves para tener éxito en este aspecto:

• Elegir la ropa y el peinado adecuado para ocasión (el olor también cuenta).
• Importa muchísimo cómo salgas y dónde te coloques.
• Súper importante el recorrido de miradas, hay que mirar a todo el mundo (no caigas en mirar sólo  a la persona con más autoridad, debes mirar a todo tu público o, al menos, hacer que les miras)
• La postura: Si no sabes cómo ponerte opta por mantenerte de pie con los pies juntos (Mucho     cuidado con las posturas chulescas).
• Los brazos y las manos, esos grandes estorbos que no podemos quitarnos; lo que podemos hacer con ellos es tener algo en lo que apoyarnos, como un cuaderno con un boli (aunque sea de postureo y nunca lo usemos). Y para los que sufren de tembleque de manos, apoyad los codos en los costados y listo, adiós al tembleque.
• Si hay atril es conveniente y antes y regularlo junto al micro.
• La documentación es importante llevarla como poco en 2 formatos diferentes y en 2 sitios distintos (ya sabéis, por si las moscas).

Para los que os interese el mundo de la comunicación no verbal os recomiendo el libro "Comunicación no verbal" de Flora Davis.

A continuación os hablaré de la dicción, esto es el cómo hablamos.

• Hablar claro y alto.
• Pronunciar las palabras completas.
• Realizar pausas significativas (dejar silencios para asimilar la información).
• Un buen método para comprobar cómo haces todo lo citado anteriormente es grabándote para ver dónde fallas.
• Algunos de los trucos para pronunciar bien, por ejemplo, son practicar hablando con una canica en la boca o si hablas a un volumen muy bajo, hablar de cara a la pared o leer boca arriba.
• Cuidado con la velocidad a la que hablas, la gente tiene que poder seguirte y asimilar lo que vas diciendo.
• Hacer cambios en los tonos de voz, los discursos monótonos aburres a cualquiera por muy interesante que sea el tema.
• JAMÁS, nunca, bajo ningún concepto, se aceptan las groserías, las palabrotas jamás serán bien recibidas en un discurso, ya sea serio o distendido.

Ya para finalizar este primer post, os hablaré de la organización del discurso.

• Dividirlo en 3 partes: presentación, agradecimiento e introducción / discurso / conclusión y despedida.
• El discurso siempre apoyado con recursos visuales.
• NO leer los Power Points, son frases de apoyo y vuestro público sabrá leer, no debéis insultar a su educación leyendo lo que pueden leer ellos solos.
• Apoyo de ilustraciones o fotografías (siempre se hace más ameno el apoyo pictórico)
• Calculad que cada diapositiva debe acompasarse con 1 min de vuestro discurso, así si os piden un discurso de 15 min, vosotros llevaréis preparadas 15 diapositivas (sin contar con la primera y con la última).
• Llevad fichas A5 con letra grande como apoyo personal a vuestro discurso, por si os perdéis u olvidáis algo (además os ayudará a tener las manos ocupadas). Es aconsejable llevas estas fichas numeradas según la diapositiva con la que se correspondan.
• Y recordad, primero haced un resumen de lo que vais a contar, después os metéis en el entresijo del asunto y finalizáis con una conclusión.

Y esto es todo por hoy, espero que os haya sido de tanta ayuda como lo fue para mi la clase. Yo al menos ya no volveré a correr o a temblar cada vez que realizo una exposición.

¡Gracias por vuestro tiempo y hasta la próxima!